The Man Who Wasn't There

Indomável – Um “neo-Western” a meio gás

2011-02-22T14:28:00.000-08:00

O género Western é, muito provavelmente, o mais emblemático de todos os géneros de cinema. Desde os clássicos de John Ford, como The Man Who Shot Libery Vallance ou The Searchers, até aos Western Sparghetti de Sergio Leone, como o imortal The Good, The Bad and The Ugly, encontramos marcos importantíssimos da História do cinema. No caso do primeiro, encontramos a imagem de um povo e de uma ideologia nacionalista, a América. No caso do segundo, uma forma completamente vanguardista de encarar o género.

Mas há muito que se diz que o Western morreu. Vemos nos anos 60 apogeu e, talvez, a morte deste mesmo. Nos anos 90, com The Unforgiven, numa visão muito mais contemporânea, encontramos o suspiro final deste género já morto. Mas esta nossa última década pareceu querer reavivar este pobre moribundo. Tanto na perspectiva europeia, como por exemplo, com 800 Bullets, como numa perspetiva mais americana ,como por exemplo, com 3:10 to Yuma. E é nesta tentativa de dar nova vida ao velho Western, que os Cohen fizeram chegar até nós este remake do filme de 1969 com o mesmo nome, True Grit (Traduzido para Indomável).

Em Indomável seguimos a história de Matie Ross, interpretada por Hailee Steinfeld, uma rapariga que procura vingar-se da morte do seu pai, morto por um cowboy do velho Oeste. Mattie vai pedir ajuda ao velhoMarshall Rooster Cogburn, encarnado por Jeff Bridges. Mattie convence Cogburn a levá-la com ele, mas, no seu caminho, encontram o Ranger LaBoeuf, interpretado por Matt Damon, que, apesar de querer apanhar o mesmo homem, não parece estar disposto a seguir as regras de Mattie.

O melhor deste neo- Western, como lhe gosto de chamar, será sem dúvida a qualidade das suas representações. Tanto Damon como Bridges correspondem às espetativas, mas a grande surpresa é Streinfeld. Matt Damon encarna um La Boeuf seguro e bastante realista, contudo com poucas características que o revelem como um personagem orginal. Bridges, que tentou fugir ao máximo do espetro de John Wayne, que encarnou Cogburn no original de 1969, tem aqui uma ótima performance, mostrando-se como um verdadeiro velho guarda da lei que, apesar do seu compromisso com a bebida e da sua teimosia, não deixa de perseguir aqueles que não respeitam as leis dos Homens. Contudo, no meu ponto de vista, segue linhas muito idênticas à sua personagem em Crazy Heart, de 2009. No fundo, o que vemos no Cogburn de Bridges é um Bad Blakeversão pistoleiro, o que não deixa de ser bom, mas também repetitivo.

Hailee Steinfeld é, portanto, a jóia do filme. Com apenas 14 anos, agarra em Mattie Ross com tamanha firmeza, que nos apaixonamos de imediato pela coragem da pequena jovem. Aliás, é através dessa indomável vontade que vingar o pai, apresentada no primeiro ato, que criamos imensas espetativas para o que virá de seguida, na sua longa jornada. Contudo, na minha opinião, os restantes atos deitam abaixo as nossas esperanças.

A narrativa perde imenso fulgor a partir do momento em que a viagem destes três aventureiros começa. Poucas vezes somos surpreendidos e os obstáculos que os três perseguidores encontram pela frente, para além de serem simples, não são nada entusiasmantes. Além de não existirem reviravoltas fugazes, a história também perde intensidade por, em primeiro lugar, o melhor dos protagonistas nos ser apresentado logo de início, e segundo, por termos vilões de baixo calibre. Não quero rebaixar o trabalho de Joshn Brolin, mas estou confiante que a sua personagem merecia ser mais marcante, ou pelo menos, ter mais daquele glamour de vilão, como Gene Hackman tinha em The Unforgiven.

Em termos técnicos, nada tenho a apontar. O trabalho audiovisual é fenomenal. Nada que não se esperasse dos irmãos Coen. A qualidade de imagem, o trabalho de montagem e o bom jogo de planos é, novamente, prova de como os Coen sabem contar uma história no grande ecrã. É de salientar o trabalho de fotografia, que nos conseguiu presentear com os excelentes tons secos, quentes e áridos do velho Oeste, que contrastam na perfeição com os tons gélidos da floresta.

Apesar disso, não deixei de ficar desiludido. Esperava uma história mais empolgante. Primeiro por ser um neo-Western. Segundo, por ser um filme dos Coen. Devo confessar que me surpreendeu muito mais o filme 3:10 to Yoma, por exemplo, cuja simplicidade narrativa não deixa de criar bastante excitação e entusiasmo.

Porém, será de certo um forte candidato às estatuetas de Ouro. Muito provavelmente, o Oscar de fotografia é o único que estará quase garantido, tendo apenas como rival O Discurso do Rei. Para as outras categorias, a corrida será mais complicada, não deixando de ser um dos meus cinco favoritos para a estatueta de melhor filme de 2011.

* Este texto foi escrito ao abrigo do novo Acordo Ortográfico *

Crítica também publicada em http://espalhafactos.com/2011/02/22/indomavel-%E2%80%93-um-%E2%80%9Cneo-western%E2%80%9D-a-meio-gas/

The Social Network ou Como ser processado pelo melhor amigo

2010-11-12T17:34:00.000-08:00

E se fosses um génio programador e de repente tivesses uma ideia brilhante (que não seria propriamente tua, mas, digamos, uma inspiração de uma outra) em construir uma rede social baseada na exclusividade dos grupos? Se fosses esse alguém, então eras o criador do Facebook, Mark Zuckerberg.

David Fincher encontrou algo fascinante na história deste jovem bilionário. A maneira como a sua ganância permitiu destruir a sua relação com o seu mundo social (na verdade essa relação mal existia). Quer dizer, na verdade o que o fascinou foi a facilidade com que Mark enriqueceu sem ser imediatamente processado (penso eu).

O novo filme de Fincher, estreado no passado dia 4 de Novembro, não é um clássico instantâneo como Fincher nos tem acostumado. Para ver a sua genialidade, basta relembrar o magnifico Seven, ou o Fight Club. Mas temos que admitir que este The Social Network tem uma história e pêras. E bastante bem contada por sinal.

Contudo, não me agradou o tom com que foi narrada. O que vemos em The Social Network é como Mark passa por cima de todos para levar a sua ideia adiante e se tornar num bilionário. É verdade que o que o movia não era o dinheiro propriamente dito, mas sim o reconhecimento. Mas isso não o desculpa de roubar a ideia a desconhecidos e tramar o seu melhor amigo que sempre acreditou nele. Todavia, a narração fílmica de Fincher é muito (muito é eufemismo) tendenciosa. Mark é retratado como um génio incompreendido que no fundo é óptima pessoa e que só estava a tentar explorar ao máximo o seu potencial. "Ele não é um asshole, só está a tentar ser um". Ideia bastante reforçada durante o filme.

Cá para mim, Mark é um outro Bill Gates. Ou Steven Jobs, porque não. As histórias de ganância e comportamentos sem escrúpulos no mundo da informática já são bastante conhecidas. A rivalidade microsoft macintosh é já uma lenda urbana, e não pelo seu respeito aos direitos do consumidor. A situação de Mark, que foi posteriormente processado pelo seu amigo e por outros três colegas por lhes ter roubado a ideia da criação do Facebook, só vem reforçar este leque de situações que mancha a fome da evolução tecnológica.

Sinceramente, creio que Fincher foi bastante propagandista, tentando limpar a imagem de Mark Zuckerberg. A sua história falará um pouco por si. Podemos tentar desculpa-lo, mas a sua ganância é evidente. Mas realmente deixou-me pensativo. Valerá tudo nestes jogos informáticos? Mas afinal que valores é que estão em jogo?

Para os meus amigos informáticos, poucos mas bons, aqui fica o aviso. Se alguma vez criarem uma nova rede social (ou uma nova versão do farmville ou do runescape, porque não), lembrem-se de fazê-lo pela ciência, ou pelo bem estar público ou uma outra motivação moralmente correcta (vá, pelo menos pela vossa família ou assim). E não simplesmente para ser rico ou reconhecido, espezinhando quem aparece pelo caminho.

Do Baú: Pickpocket de Robert Bresson

2010-11-09T16:51:00.000-08:00

E aqui está, como prometido, mais uma edição da rubrica "Do Baú". Esta semana apresento-vos um clássico do cinema francês dos anos 50, Pickpocket em 1959, realizado por Robert Bresson, emblemático realizador conhecido por obras como “Fugiu Um condenado à Morte” e “Peregrinação Exemplar”. O carteirista, na tradução portuguesa, é referido como uma das grandes obras de Bresson, reflectindo todos os seus traços de autor e indo de encontro à sua máxima: "O cinematógrafo é a arte de não mostrar nada”.

Nesta obra de Bresson, somos apresentados a Michael, um homem aparentemente vulgar mas que, através da sua filosofia de vida, decide iniciar uma carreira como carteirista. A sua aventura começa a solo, mas logo cedo encontra outros da sua área e inicia uma intensa formação. E são esses momentos de treino e formação de um carteirista que Bresson faz questão de captar. Mostra-nos a dedicação de Michel em se tornar melhor no que faz, ao ponto de considerar o medo de ser apanhado como adrenalina. E apesar das suspeitas do comissário da polícia, que o tem em permanente vigia, Michel aperfeiçoa a sua técnica a cada dia que passa, gloriando-se e entusiasmando-se cada vez mais por cada novo sucesso.

Michel crê que existem homens capazes, dotados de inteligência suficiente, talento e até mesmo genialidade, indispensáveis à sociedade que, em vez de estagnarem, deveriam, em certos casos, ser livres de desobedecer à lei, como se de “supra-sujeitos” se tratassem. Michel crê que é um desses homens. Só isso justifica a falta de remorso que tem perante os seus roubos. Sente-se capaz de tudo. A questão da culpa é secundarizada e esquecida.

Um pouco inspirado na obra “Crime e Castigo” de Fiodor Dostoievski, Robert Bresson procura, neste filme, abordar de um diferente ponto de vista a questão da culpa e da redenção, temas que são usuais nas suas obras. Na exploração daquele que pratica o crime, tenta compreender de onde nasce ou não a culpa e posterior redenção. E se estas não surgirem, qual será o porquê.

Aqui fica a sugestão: Um filme noir, ao estilo francês, de muito fácil digestão, que poderá fazer pensar.

Do Baú: "O Destino" de Youssef Chahine

2010-10-26T17:47:00.000-07:00

Venho-vos propor um novo formato. Trata-te de uma rubrica semanal, onde vos irei propor retirar do baú um clássico do cinema. Em breves palavras tentarei-vos convencer a, pelo menos, ir ver o trailler. Se trabalhar bem, poderei até mesmo levar-vos a visualizar o filme. Em todo o caso, aqui fica a minha primeira tentativa.

"O Destino" de Youssef Chahine

O filme que vos trago foi realizado em 1997, por Youssef Chahine, o génio do cinema egício que faleceu no passado ano de 2008, famoso pela sua obra “O emigrante”, de 1994, que causou imenso sucesso mas também imensa polémica no egípto, envolvendo até acções judiciais e sociais.

O Destino, de título original Al-massir, transporta-nos para a Andaluzia do séc. XII, controlada, na época, pelos muçulmanos. Acompanhamos a história do famoso filósofo Averrões e da sua luta para manter as suas ideias vivas através dos livros. Pela relação que o filósofo tem com o chefe máximo do território, O Caliph, e da forma como influencia os filhos deste último, Chahine procura retratar a tensão existente entre a religião e a liberdade do pensamento que fez faísca durante tantos anos e ainda faz nos dias de hoje.

Como é habitual em Chahine, o enquadramento histórico que faz ao filme, vem acompanhado de uma carga bastante simbólica. A história de Averrões serve de mote para promover as ideias e as livres interpretações, não só da religião, mas também do comportamento humano em geral. O Destino será uma espécie de aviso àqueles que, na cultura muçulmana de Chahine, bem como na nossa cultura ocidental, levam as palavras dos escritos sagrados à letra. Como fica expresso no filme, o homem nasceu com inteligencia suficiente para descodificar os significados sumbliminares das mensagens de Deus e da Natureza. Como diz averrões, “As ideias tem asas. Ninguém pode parar o seu vôo”.

· Um óptimo filme para ver com olhos de ver e ficar a digerir durante vários dias. Um filme que faz reflectir sobre a condição humana, a liberdade e o pensamento.

Embargo: a experiência Saramaguiana aplicada ao cinema

2010-10-09T05:38:00.000-07:00

A mutação de Embargo, de José Saramago, de conto literário para obra cinematográfica não poderia ter sido mais sublime. Digo isto completamente ciente do peso que poderão ter tais palavras. O trabalho de readaptação é perfeito em todos os pontos, brilhando ainda mais no que toca à artisticidade da narrativa que, apesar de simples, comporta uma carga moralista e emotiva bastante forte, utilizando sempre a ferramenta do sarcasmo.

Não sei bem se é a magnificência e a paradoxal simplicidade da narrativa criada por Saramago, ou se é a excelência da estética criada por António Ferreira, o realizador, que faz deste filme um (futuro) fenómeno do cinema português. Talvez tenha sido o misto entre a potencialidade literária do conto de Saramago com o êxtase criativo de António Ferreira que originou tal obra.

Mas sejamos mais empíricos. O que deve ser subtraído da narrativa originalmente apresentada peloNobel da literatura no seu livro de contos Objecto Quase, publicado em 1978? Em primeiro lugar, devemos reforçar a simplicidade de forma e conteúdo da história e a importância que isso tem. Um sujeito, Nuno, interpretado no filme por Filipe Costa, vive no desalento, mas simultânea esperança, de tentar dar um futuro melhor à sua família. Essa esperança resume-me na sua tentativa de fazer vender uma sua invenção: um digitalizador de pés. Mas a sua angústia descontrola-se quando este fica preso no seu carro, ficando impossibilitado de fazer vender o seu peixe. É esta premissa que, apesar de simples, comporta, nos pequenos pormenores, um potencial simbólico bastante forte. Aqui, devemos atender à crítica que está a ser feita à sobreposição da tecnologia nas nossas vidas e de como esta acabará por consumir-nos ao ponto de nos deixar imobilizados.

O segundo ponto que deve ser referido é a sua carga simbólica e moralista. Mas devemos primeiro ter a atenção à mutação feita ao conto original de Saramago. No conto de Saramago, a angústia e o desespero do nosso “herói” são levados ao extremo, procurado explorar os perigos da modernização, que leva, no filme, a uma situação pré-anarquia, bem como os perigos da ganância. É explorado o lado mais negro desse desejo, mostrando, no seu desfecho final, o horror de um vida presa àquilo que criámos, a tecnologia, e de como acabamos por perder o controlo sobre essa mesma criação. Nesta adaptação cinematográfica, Tiago Sousa, o argumentista, adoça o desfecho mudando a carga emotiva que até então a audiência tinha experienciado. É alterada a desgraça para uma esperança no futuro e na própria vida relacional, romanceando um pouco a moral da história. No fim, já não é negatividade da industrialização e do desastre social que esta pode causar que é apontada, mas sim a esperança que existe se nos despergarmos dessa negatividade. É dado privilégio às relações humanas, à família e aos pequenos pormenores vivenciais.

Finalmente, e ultrapassada a carga moralista, simbólica e emotiva do filme, falemos um pouco da estética desta película e o que traz de novo à nossa cultura cinematográfica. A nível estético, o que encontramos em Embargo é uma realização bastante contemplativa. Desde à recorrência aos planos pormenor até ao jogo de lentas panorâmicas à volta do carro de Nuno, tudo vale para puxar a audiência para dentro do filme de forma bastante profunda. Neste caso, a magnífica banda sonora faz um papel fulcral. O envolvimento de cada plano em cada cena e cada cena em cada sequência, adquire a sua perfeição principalmente pela magistral banda sonora que vai muito de encontro ao espírito do filme. É também de salientar, a mestria em termos de fotografia, usando um padrão de tons sepia que vão de encontro à contextualização histórica da época (anos 70/80). No conjunto, cada imagem do filme que recebemos na retina é uma contemplação pura de cada acção, o que acrescenta um toque pessoal na maneira de fazer cinema. Existe aqui, uma corrente que se tenta insurgir, algo novo no panorama cinematográfico português.

Depois de toda esta desconstrução, Embargo resume-se bem no seu teor humorístico, meio sarcástico, com que acaba por moralizar e até fazer pensar. O humor negro por excelência surge encrostado em quase todo filme, nos diálogos, nas acções e na própria narrativa como um todo. É esse humor que faz corroborar a película Embargo com o estilo literário de Saramago. A crítica satírica, o sarcasmo como forma de ataque. É esse o ”sangue” que corre em todas, ou quase todas, as cenas do filme, de forma directa ou indirecta.

António Ferreira precisou de 8 anos para criar uma nova obra, depois de Esquece Tudo o que te Disse. Pessoalmente, dou graças a esses 8 anos de espera, pois é claro que a maturação e o encontro com o artista interior, que vemos em Embargo e pouco ou nada vemos em Esquece Tudo o que te Disse, necessitaram desse período de crescimento.

Um filme que me apaixonou do início ao fim e que me deixou até desleixado nas palavras para o classificar.

Para quem gosta de cinema português. Para quem gosta de cinema. Para quem quem gosta de Arte.

(Está crítica foi também publicada em http://www.espalha-factos.com/2010/10/embargo-a-experiencia-saramaguiana/)

Lucky Luke: O pistoleiro belga

2010-10-09T05:24:00.000-07:00

Nasceu, em 1941, na Bégica, uma estrela de B.D. europeu conhecida pela sua extrema destreza com a pistola e pela sua exagerada, mas invejável, sorte. Lucky Luke veio ao mundo com o sucesso nas veias e no universo dos Comics fez as delícias dos amantes destes livrinhos. Porém, tardou a envergar na carreira cinematográfica. Só em 1971, com o filme de animação Daisy Town, de Renné Goscini, pudemos ver pela primeira vez Lucky Luke no écran. E apesar de ser a 3º B.D. com mais sucesso na Europa, o percurso de Lucky Luke na área do cinema e da televisão, entre a animação e a comédia/acção, não chegou a fazer jus ao estrelato até então conseguido na B.D.

Chegamos a 2009, ano da estréia mundial deste novo filme Lukcy Luke, com um antecedente fílmico da saga, Les Dalton, de 2004, realizado por Philippe Haïm, muito pouco aclamado pela crítica. Assim, Lucky Luke é, desde a partida, um filme que não gera muita expectativa, apesar da figura “mítica” que o suporta. O que vemos neste novo filme do místico pistoleiro não difere muito do vimos em Les Dalton. Uma abordagem cómica bastante arriscada que passa algumas vezes a fronteira do ridículo, revelando pouca consistência no seu humor.

Apesar disso, a abordagem de Lucky Luke não deixa de ser um tanto quanto peculiar. A própria caracterização, o vestuário, os cenários e a imagem (com a utilização de cores fortes) ajudam a criar um western europeu que apenas podemos encontrar no livro de quadradinhos. O seu humor, muitas vezes exagerado e desenquadrado, vem descredibilizar essa imagem única.

A narrativa explora um pouco a história de Lucky Luke, incluindo as suas origens trágicas e a razão para este ser o cowboy que jurou nunca matar ninguém. Esta linha mais dramática vai ser retomada no desfeche do filme, jogando com os laços afectivos de Lucky Luke e com os sentimentos que este tem perante a vida. A acompanhar toda esta tragédia, surgem várias personagens famosas do velho Oeste que adoçam esta comédia “semi” dramática, tais como Jesse James, interpretado por Melvil Pupaud, Calamity Jane, encarnada por Sylvie Testud, e Billy The Kid, intrepetado por Michaël Youn.

Porém, é este misto entre a emotividade e o dramatismo da história de Lucky Luke e todo o teor humorístico do filme que gera um certo sentimento de instabilidade e incoerência. Apenas a fabulosa interpretação de Jean Dujardin, que dá vida a Lucky Luke, nos faz sentir alguma empatia com o filme. Em Lucky Luke acontece algo positivo que falhou em Les Dalton. A aura do Lucky Luke da B.D. é finalmente restabelecia no cinema. Ao contrário de Til Schweiger, que assume o papel do pistoleiro mais rápido que a própria sombra em Les Dalton, Jean Dujardin assegura bastante bem a personagem de Lucky Luke, gerindo, de forma magnificente, o seu teor cómico e a sua componente heróica e dramática.

Finalizando, podemos dizer que Lucky Luke não surpreende, nem nos faz ter mais esperança num prisma cinematográfico mais favorável para o pistoleiro mais rápido do Oeste. Não podemos, contudo, descartar o desempenhado do elenco, que deu alma a cada uma das personagens, apesar de algumas se desleixarem no humor lamacento acima descrito.

Um filme apenas para ver o herói de banda desenhada encarnado no grande écran e nada mais.

(Crítica publicada também em http://www.espalha-factos.com/2010/08/lucky-luke-um-sortudo-despedacado/)

WHISKY: O SORRISO DE PAPEL

2010-07-02T14:35:00.000-07:00

Um sorriso valerá mais que muitas palavras. Quando é sincero revela contentamento ou alegria. Quando se torna um sorriso de papel, frágil, falso, fingido, revela a instabilidade emocional ou social da pessoa que sorri. Whisky, um filme uruguaio de 2004, que (só) estreou esta semana em Portugal, é uma jóia cinematográfica que joga com pequenos pormenores, como por exemplo esse sorriso de papel, que nos presenteia, em tom alegórico, com uma fantástica história humana da vida quotidiana e das suas repetidas particularidades.

Em Whisky, acompanhamos a vida monótona de Marta Acuña, interpretada por Mirella Pascual, e do seu patrão Jacobo Koller, encarnado por André Pazos. Marta passa a maioria das suas horas a trabalhar na fábrica de meias de Jacobo, compilando todos os seus movimentos num rigoroso ritual sistemático que faz com que os seus dias sejam todos iguais. Jacobo segue o exemplo de Marta. Toma o mesmo pequeno-almoço no mesmo café exactamente às mesmas horas da manhã. Abre a sua fábrica, gere a contabilidade, sempre num esquema quase mecânico, como as máquinas de fazer meias da sua fábrica.

Este carácter da monotonia quotidiana é reforçado, de forma minimamente exemplar, pelos realizadoresJuan Pablo Rebella e Pablo Stoll. A narrativa é montada nesse mesmo esquema de repetições quotidianas, fomentando a ideia da banalidade dos dias de Marta e Jacobo. É aqui que reside grande parte da magia desta película. Na forma tão natural e artística que se expõe visualmente e temporalmente este quotidiano “entediante” de Marta e Jacobo.

O ponto de quebra, onde os sorrisos de papel se dão literalmente (mas que no fundo apenas se tornam cada vez mais frágeis), dá-se quando Jacobo propõe a Marta que esta passe por sua esposa durante a visita do seu irmão, Herman Koller, interpretado por Jorge Bolani. É durante esta farsa que a subtileza desta obra cinematográfica mostra o seu valor. Este sorriso fingido, esta farsa conjugal, que deveria ser apenas isso mesmo, representa, contudo, a vida que Jacobo e principalmente Marta desejavam ter. É a vida propriamente dita. Aquela que procura outras emoções, mesmo que sejam simples e não muito complicadas. Aquela vida que procura coisas novas dentro dos outros, quando já só vemos o mesmo dentro de nós. É vida que sai do sistema, nem que seja só um pouco. A sua vida real é que é a verdadeira farsa. A farsa é a sua verdadeira vida. Ou pelo menos a sua utopia.

Apesar de todas estas qualidades artísticas, Whisky não é um filme para todas as audiências. Esta preciosidade uruguaia poderá ser desconsiderada por muitos. Alguns acharão entediante, sem sentido, com pouca acção. Outros dirão que é um filme desprovido de qualquer valor ou conteúdo. A verdade é queWhisky não é um filme para todos. Está cheio de deliciosas particularidades e pormenores artísticos que demonstram, por si só, a sua qualidade enquanto obra de arte. Whisky é filme para ver, observar eentranhar. Não é um filme de sensações imediatas, mas sim de pequenos (grandes) prazeres.

Uma película absolutamente recomendável, que vem enaltecer, mais uma vez, o cinema sul americano. Entristece apenas pela falta de apoio e promoção que este cinema tem no mundo e principalmente em Portugal.

(Crítica também publicada em http://www.espalha-factos.com/2010/07/whisky-o-sorriso-de-papel/)

SEM NOME: A TRAVESSIA PARA O OUTRO MUNDO

2010-07-02T14:12:00.000-07:00

Procurar um mundo melhor é sempre uma demanda incansável. Para aqueles que vivem em condições precárias, sem muito que possam dizer ser seu, é o único sonho que surge no seu pensamento. Sem Nome (Sin Nombre) retrata essa aventura desventurada dos imigrantes ilegais que procuram ultrapassar as fronteiras mexicanas e entrar num novo mundo, os Estados Unidos da América. Um mundo de oportunidades. Um mundo de sonhos. Cary Fukunaga, o realizador, teve o cuidado de tentar absorver para dentro desta película, não só a ânsia destas pessoas, como todo o sacrifício que lhe é exigido para poderem sonhar com um futuro melhor.

Em sem Nome surge também retrata, em paralelo com a travessia para o outro mundo dos imigrantes, a realidade vivida no mundo da criminalidade e dos gangs organizados mexicanos. Ao longo do filme, acompanhamos Casper, interpretado por Edgar Flores, na sua vida de crime. Casper acaba por arrastarSmiley para essa vida, encarnado por Kristian Ferrer, uma ainda jovem criança que se torna adulto cedo demais. Casper vai acabar por compreender que a irmandade, que é fomentada pelo seu gang, não passa de uma ilusão. O agir desumano da sua chefia é a prova que acaba por chocar Casper e fazer-lo cruzar o seu destino com Sayra, interpretada por Paulina Gaitan, uma jovem que procura passar a fronteira mexicana.

Neste drama mexicano, somos levados para o íntimo da decadência humana, a criminalidade, onde a sobrevivência rege-se pela lei do mais forte. Mas é nessa precariedade de afectos humanos que acaba por surgir, de forma tão natural, a compaixão e o próprio amor, sentimentos que tão bem definem o ser humano. Sem Nome traz essa mensagem. Alerta-nos para o facto que até nos piores cenários, onde o homem se confunde com a besta e rouba, tortura, saqueia, aniquila e mata, existe ainda uma réstia de bondade. Afinal de contas somos todos feitos do mesmo molde.

Este filme independente vem reafirmar o cinema mexicano (apesar da realização ser norte-americana). A sua qualidade é manifesta e inegável. A construção do fluxo narrativo é o seu ponto forte. Apesar do argumento simples, sem um grande climax e surpreendentes reviravoltas, ou mesmo, pensamentos profundos que nos levem para locais rebuscados da nossa mente, esta película constrói cada cena de forma natural e contínua, causando uma óptima “cadência” visual.

Sem Nome é um filme que conta uma história. É uma história cinematográfica. Uma história sobre pessoas. Sobre a sua natureza e sobre os seus sonhos. Sobre as atitudes que os regem perante os seus sonhos. Uma história que deve ser vista com olhos de ver, tentando compreender a natureza humana. Um filme para amantes da (com)paixão humana, esteja ela onde estiver.

(Crítica também publicada em http://www.espalha-factos.com/2010/06/pesadelo-em-elm-street-mais-ambiente-menos-aura/)

PESADELO EM ELM STREET: MAIS AMBIENTE, MENOS AURA

2010-07-02T14:06:00.000-07:00

Estreou no mês passado, em Portugal, o filme Pesadelo em Elm Street (Nightmare on Elm Street) realizado por Samuel Bayer, um remake do clássico filme de terror de 1984 com o mesmo nome e realizado por Wes Craven.

Realizar uma readaptação deste clássico torna-se, logo à partida, uma tarefa ambiciosa, não só pela dificuldade que é manter o nível do original, bem como utilizar as novas tecnologias cinematográficas para criar um ambiente mais moderno e mais real. Bayer e Michael Bay, o produtor, levaram em conta tudo isso. Porém, o remake do clássico ficou aquém das expectativas.

Pesadelo em Elm Street conta-nos a história de um bairro que se desola com a morte de alguns adolescentes. Estes foram assombrados por terríveis sonhos, mesmo antes da sua morte. Um estranho um homem, de chapéu e lâminas na mão, predominou nos seus sonhos. Este psicopatia, de seu nomeFred Krueger, ataca as suas vítimas nos seus próprios sonhos, não deixando margem de escapatória, senão mesmo não dormir.

Apesar da cena inicial ser promissora, onde todos os planos e técnicas de som, bem como a agilidade da montagem, proporcionam um ambiente e uma mística bastante assustadora, o novo filme Pesadelo em Elm Street revela-se como uma desastroso atentado à imagem da mítica personagem Freddy Krueger.Krueger deixa de ser aquele psicótico assassino, com o seu forte sarcasmo e a com sua penetrante e simultaneamente assustadora presença, para se tornar num mero espantalho com garras que, apesar de não quebrar o ambiente de terror, cai na banalidade. Com este readaptação, Freddy Krueger perde a sua aura.

Possivelmente, a grande perda seja mesmo a falta de Robert Englund a interpretar a personagem que o imortalizou, perante um Jackie Earle Haley sem qualquer garra e sem qualquer habilidade em encarnar um vilão num filme de terror como no filme Pesadelo em Elm Street. No Krueger de Haley deixamos de ver um monstruoso psicopata com controle pleno de tudo o que acontece e até dos próprios pensamentos dos jovens adolescentes, para assistirmos a um vilão sem sal e até um pouco frágil.

Além do mais, a forma como a narrativa está construída, apesar das muitas semelhanças com o original, não deixa de conduzir o filme para o género de teenage movie, o que mais uma vez quebra a mística do clássico. As próprias personagens são um pouco enfraquecidas com a fraqueza da narrativa, o que leva, à semelhança da personagem central Fred Krueger, a uma queda na banalidade, dentro do género.

Todavia, o esforço de Bayer e de Bay não foi de todo em vão. Apesar da parcial destruição da aura do clássico Nightmare on Elm Street, o novo Pesadelo em Elm Street proporciona um bom ambiente de terror, causando um razoável leque de sustos à audiência. Este remake não chega aos calcanhares do original, mas constitui-se como uma agradável experiência para os amantes do género, devido ao excelente aproveitamento tecnológico, tanto a nível de imagem, como de som.

(Crítica também publicada em http://www.espalha-factos.com/2010/06/pesadelo-em-elm-street-mais-ambiente-menos-aura/)

A MULHER DO VIAJANTE DO TEMPO: O ETERNO DILEMA

2010-07-02T14:00:00.000-07:00

A efemeridade do tempo sempre foi o grande dilema de nós, Homens. O tempo, como coisa incontrolável, sempre nos inquietou. O cinema, como expressão do sentimento do Homem, foi e é usualmente alvo dessa inquietação. Basta lembrar filmes como Regresso ao Futuro, de Robert Zemickis, Os Doze Macacos, de Terry Gilliam, O Efeito Borboleta, ou mais recentemente, O Curioso Caso de Benjamin Button, de David Fincher. Como lidar com a fugacidade da vida? Como controlar o tempo, fazê-lo recuar ou avançar? Ao longo dos tempos, o nosso imaginário foi sendo preenchido com respostas, ou aparentes soluções, para estas questões, tais como as máquinas do tempo. Aliás, foi a cultura popular dos últimos séculos, com a ‘criação’ das viagens no tempo, que fomentou ainda mais a vontade humana de controlar o tempo. O cinema e a literatura foram os instrumentos dessa mesma cultura.

A Mulher do Viajante do Tempo (The Time Traveler’s Wife), de Robert Schwentke, uma adaptação cinematográfica do romance de Audrey Niffenegger, trata disso mesmo, de reescrever mais uma tentativa de controlo temporal do nosso imaginário, as viagens no tempo. É-nos narrada a história de Henry DeTemble, interpretado por Eric Bana, um homem que desde os 6 anos viaja no tempo, e de como esse seu dom influenciou toda a sua vida. Henry conhece a sua amada Claire Abshire, interpretada por Rachel McAdams, exactamente por causa do seu dom. Todos os seus passos foram já desvendados. As idas ao passado, as idas ao futuro começaram a moldar, naturalmente, o seu mundo, tornando-o completamente descoberto. Henry começa a desenhar a sua vida, não só passada, mas principalmente futura. Henry vê a sua vida ficar pré-destinada, sem livre arbítrio, sabendo sempre o chão que vai pisar.

A Mulher do Viajante do Tempo não é filme inovador. Todos nós já estamos mais que familiarizados com este eterno dilema e a forma como ele pode moldar a vida do Homem. Porém, esta película vem reforçar um ponto de vista algumas vezes ignorado. A verdade é que mesmo viajando no tempo, Henry não consegue mudar o rumo principal da sua história, antes pelo contrário, cada vez mais ela se torna inevitável. E a sua história torna-se somente aquela, por causa do seu dom. Um ciclo temporal determinado. A ideia máxima desta narrativa vem-nos dizer isso mesmo, que tentarmos controlar o tempo, só nos faz desaparecer da vida e determiná-la cada vez mais.

Robert Schwentke fez uma boa adaptação. Não devemos adjectivá-la para além disso, contudo é de facto um trabalho bem feito, no que toca à realização. Trabalha com um tema que, para além de ser bastante recorrente, pode facilmente conduzir o filme para o cliché ou mesmo para o ridículo. Schwentke teve a preocupação de tentar não pisar nenhum desses campos, mas manter uma certa comercialidade cinematográfica. Entre um misto de fastfood fílmica e de obra de arte inquietante, Schwentkeconstruiu algo positivo.

A Mulher do Viajante do Tempo é mais um filme que se junta ao leque de criações culturais que abordam o dilema do tempo, mas que, não assumindo nenhum tipo de vanguardismo, diferencia-se do que até então tem sido feito. Um filme construído para agradar todos, ou quase todos, inserindo algumas questões para fazer pensar.

(Crítica também publicada em http://www.espalha-factos.com/2010/06/a-mulher-do-viajante-do-tempo-o-eterno-dilema/)

‘9′: A ANIMAÇÃO COMO EXPERIÊNCIA ALTERNATIVA

2010-07-02T13:48:00.000-07:00

9 (Nove) é uma experiência alternativa do cinema de animação de Hollywood. Surge em paralelo à revolução do cinema de animação, feita principalmente pelos estúdios da Pixar, e vem introduzir um novo carácter a esta mesma revolução. Vejo este filme como uma experiência cinematográfica arriscada e de muita audácia por parte do seu realizador Shane Acker. Existe uma grande inovação no que toca ao tipo de estética introduzida à animação e também, no seguimento do novo fluxo dos filmes de animação de Hollywood, uma maturação da temática e do enredo.

Esteticamente, o que vemos em 9 é de lhe tirar o chapéu. Os tons utilizados, as formas das personagens, a envolvência criada para os cenários, todos esses efeitos especiais são usados de forma bastante coerente e proveitosa. Toda a paleta de cores escuras e tons de sépia corroboram com o cenário apocalíptico que é transmitido à audiência. Também a estrutura das personagens, misturando materiais usuais, como se de uma montagem plastica se tratasse, acrescenta uma aura bem especial a toda a essência de 9.

E são também essas personagens o grande sumo desta animação. Apesar de admitir que o texto e o próprio argumento do filme são bastante simplistas e até um pouco clichés, a construção destes 9bonequitos prontos para salvarem o seu mundo tornam a premissa inicial aliciante.

Com este filme, a tendência de madurar o cinema de animação, tornando-o um cinema também para pensar e não só para entreter os olhos, vai ser ainda mais reforçada. A ganância máxima do Homem, o perigo da tecnologia, a força da união, a necessidade de salvar a existência de vida, são todos pontos tocados por 9 (Nove). São 79 minutos que fazem por entreter os olhos e o pensamento.

Como vimos em filmes como UP – Altamente! ou em Wall-e, da Pixar, a necessidade de criar cinema de animação com uma forte moral, com uma mensagem bem implícita para os mais crescidos, tem-se vindo a tornar uma redundância. Positiva, na minha opinião. Esta tendência, que surgiu um pouco como consequência, pelo menos temporal, da introdução do digital no cinema de animação, tem vindo a dar credibilidade ao cinema de animação, já não só como cinema infantil, mas também como forma artística. 9 (Nove) é mais um exemplo disso mesmo. Aliás, é a prova de que a Pixar não estará sozinha nesta caminhada. O objectivo é claro, torna o cinema de animação de Hollywood num cinema que tenha performance tanto comercial e leve, para os mais pequenos, como artística e moralizadora, para os mais graúdos.

Não posso dizer que 9 (Nove) é um filme que ultrapassa as grandes animações deste ano, como Up-Altamente! ou O Fantástico Senhor Raposo (The Fantastic Mr. Fox), mas é sem dúvida um filme que chega aos seus calcanhares. É certo que tem um teor mais experimental. Tem uma estrutura de narração pouco complexa e pouco sólida, o que se revê na sua curta duração. Contudo, é um filme sublimemente bem construído, tendo na sua estética e audácia moralista toda a sua originalidade.

(Crítica também publicada em http://www.espalha-factos.com/2010/05/9-a-animacao-como-experiencia-alternativa/)

The Answer Man: Ver, Aborrecer e depois Esquecer.

2010-07-02T13:44:00.000-07:00

É-me extremamente fácil caracterizar este filme. The Answer Man – Eu e Deus é uma película de pouco ou nenhum conteúdo e com uma narrativa completamente es-tagnada na história inicial. Os desempenhos dos protagonistas não correspondem a essa desgraça, mas também não ficam aquém de um “razoável”. É nos seus estados gerais um filme chato, entediante e sem ponta por onde se lhe pegue.

The Answer Man – Eu e Deus, escrito e realizado por John Hindman, conta-nos a história de Arlen Faber, encarnado por Jeff Daniels, escritor de um best-sellermundial de auto-ajuda espiritual que fez furor na década de 80/90. Mas Arlen é tudo menos o reflexo do seu livro. A sua vida é vazia e tem pouco sentido. É só quando este encontra Elizabeth, interpretada por Lauren Graham, e Kris Lucas, interpretado por Lou Taylor Pucci, que a sua existência começa a revitalizar. Este é o pilar que sustenta toda a narrativa do filme. Um pilar bastante frágil.

Uma premissa de pouco gabarito como esta merecia algum desenvolvimento das personagens e do restante enredo. Mas desde Kris Lucas até Arlen Faber não vemos mais do que personagens ready-mades, construídas em modelos muito soft, completamente normalizadas, sem conteúdo e sem interesse cinematográfico.

O livro e a cultura literária surgem no filme como um centro, ou melhor, como a temática para todo o drama de Arlen e da sua vida. A essência do autor. O poder do livro. A cultura do próprio livro em geral. Aqui e ali, evidenciamos sinais que remetem-nos para essas temáticas. Mas todos estes sinais estão despojados de qualquer sentido mais amplo. Na minha opinião, não passa de uma tentativa forçada do realizador de intelectualizar o seu romance e cobrir a sua total falta de ritmo. Mas nem os diálogos, suficientemente bons para um romance deste tipo, conseguem salvar o público do bocejar constante a que está habilitado.

The Answer Man – Eu e Deus é uma película sem qualquer tipo de essência, nem a nível artístico, nem a nível comercial. A tentativa de envergar pelos dois níveis, levou a que John Hindman se esquece-se do fundamental, captar o entusiasmo e o interesse da audiência, o que revela a sua imaturidade na realização e escrita para cinema. Sem conteúdo ou sem ritmo, o destino deste filme é, desde à partida, o esquecimento do público. Nem agrada àqueles que procuraram se entreter, nem agrada àqueles que procuram se rever na arte.

Um filme que desaconselho a todos. Óptimo para adormecer, ou para compreender como não fazer um filme. Sem interesse para o cinema em geral.

(Crítica também publicada emhttp://www.espalha-factos.com/2010/05/the-answer-man-ver-aborrecer-e-depois-esquecer/)

Dorian Gray: Uma efémera imortalidade

2010-04-17T06:22:00.000-07:00

A adaptação cinematográfica de qualquer obra literária é uma tarefa delicada. Acrescentando o facto de essa mesma obra ser um dos grandes clássicos do século XIX e uma obra que representou e representa o próprio decadentismo de uma geração, como é o livro O Retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde, a tarefa torna-se ainda mais complexa. Já não é só com a incongruência, que se faz notar entre a escrita romanceada e a escrita cinematográfica, nomeadamente na construção das estruturas narrativas, com que se deve preocupar. Está em jogo uma imagem, um legado, uma representação literária, de grande dote, de uma única realidade. A readaptação ao cinema dessa mesma representação é uma missão (quase) impossível.

Dorian Gray, o novo filme de Oliver Parker, não consegue dar conta do recado, pelo menos a um nível suficientemente plausível para ser comparado com a obra de Wilde. Não que o filme cometa pecados mortais, antes pelo contrário, toda a sua envolvência cinematográfica, o que inclui uma óptima direcção artística e um agradável uso da técnica, recria com bastante decência o ambiente vitoriano. Por outro lado, os desempenhos de Ben Barnes, como Dorian Gray, e de Colin Firth, como Lord Henry Wotton, são também bastante respeitáveis.

Mas algo teima em faltar a esta película que, à primeira vista, é uma verdadeira beldade aos olhos de quem a vê. Se não levasse com ela o carimbo de readaptação de O Retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde, talvez essa carência não fosse tão sentida. A verdade é que esse carimbo é inevitável, como também são as comparações instantâneas que fazemos entre o filme o livro, a cada cena que visualizamos. E essa ausência do verdadeiro esplendor da história deDorian Gray não reside naqueles pequenos erros, ou para ser mais delicado, naqueles pequenos deslizes que o realizador e o argumentista cometeram ao construir a narrativa do filme e a sua própria montagem. Falta verdadeiramente a essência da obra literária.

Em Dorian Gray, sentimos, claramente, a necessidade brusca que o realizador teve em apressar o fluxo narrativo, encurtando vários momentos da acção ao mínimo. Num ritmo quase alucinante e muitas vezes prejudicial, somos projectados para a acção do livro, sem que contudo se sinta uma verdadeira ligação. Talvez seja por causa dessa necessidade absurda, usual em Hollywood, de conter o filme dentro dos 120 minutos de duração.

Contudo não é esta a grande incompatibilidade do filme Dorian Gray com a majestosa obra literária. A busca do prazer imediato e a necessidade da eterna juventude estão entranhadas em toda a narrativa do romance. Aliás, são a grande temática da obra de Oscar Wilde, que tenta, dessa forma, retratar, em Dorian Gray, a decadência de uma classe, de uma geração, que procura viver todos os prazeres, que procura a própria imortalidade.

Esta realidade é bastante evidente no livro. Não tanto no filme. Apesar da mínima fidelidade que esta película tem em relação à acção do livro, nem sempre o enredo é suficiente para alcançar o objectivo da obra. A forma como se conta a história, neste caso específico, faz toda a diferença. A incongruência entre a obra literária e a obra cinematográfica reside aí. Em Dorian Gray, a tal busca pela imortalidade fica a meio caminho, em termos representativos. É, no fundo, uma efémera imortalidade.

Dorian Gray é um filme que, no seu teor comercial (evidente principalmente pela necessidade do realizador em encurtar toda a narrativa, para o tornar mais apetecível ao público em geral), se estabelece como uma película de relativo interesse. E apesar das dificuldades que tem em acompanhar o original literário, não deixa de ser um harmonioso drama alegórico que se sustenta num delicioso argumento.

(Crítica também publicada em http://www.espalha-factos.com/2010/04/dorian-gray-uma-efemera-imortalidade/)

The Imaginarium of Dr. Parnassus: O delírio surrealista

2010-04-04T17:04:00.000-07:00

Terry Gilliam foi sempre um realizador peculiar. Se recordarmos filmes como o clássico Brazil, Fear and Loathing in Las Vegas (Delírio em Las Vegas) ou mesmo Tideland, compreendemos que o cinema de Gilliam não segue as regras normais. Pelo menos no que toca à estrutura narrativa de um filme. E mais ainda no que toca à exploração da sua própria imaginação cinematográfica. Em The imaginarium of Dr. Parnassus (O Homem que queria enganar o Diabo, na tradução portuguesa) são bastante notórios estes dois factores. Quando se entra na sala de cinema para ver o novo filme de Terry Gilliam, sai-se com a certeza que é um filme deTerry Gilliam. E é essa a principal qualidade deste filme.

A narrativa funciona com base numa história de teor minimamente fantástico. Um homem místico, ancestral, com poderes mágicos. Uma série de apostas com o Diabo em pessoa. Um espetáculo ambulante minimamente bizarro. E um jogo entre dois mundos: O real e o imaginário. Tudo envolto em personagens bastante sólidas e muito bem interpretadas. Mas, como é compreensível, o desenho narrativo é feito em linhas minimamente tortas. Em primeiro lugar, porque se trata de um filme com uma essência surrealista. Em segundo lugar, porque as próprias circunstâncias de produção o requereram (falo da morte de Heath Ledger que interpretou o papel de Tony, umas das personagens, e que morreu ainda sem concluir por completo as filmagens).

Mas este desenho fílmico, no seu todo ou em partes separadas, é um desenho genuinamente artístico. As linhas da acção fazem com que as personagens sejam lançadas num jogo surrealista e imaginário, muito bem tecido por Gilliam, que nos leva a entrar num outro domínio da arte. Um domínio onde as próprias regras lógicas da narração e do próprio cinema são colocadas em segundo plano. Onde o que vale não é a credibilidade narrativa ou a continuidade estrutural, mas sim a relação entre as construções fortes das personagens e as cenas de carácter transcendente e puramente artístico.

Claro que tudo isto é conseguido através de um risco enorme, por parte do próprio realizador. Primeiro, porque, deixando uma linha narrativa frágil, é comum tornar o filme, como um todo, num conjunto solto de cenas. Segundo, porque sem personagens fortes e complexas que segurem o enredo, tudo poderia parecer ridículo e insípido. Aliás, o risco foi tanto que devemos admitir a existência de alguns erros ou lapsos, ou melhor, fluxos criativos levados ao extremo, onde nos perdemos um pouco da narrativa e das premissas iniciais.

A sua qualidade técnica é também um ponto a louvar. Não só nos seus efeitos especiais, mas principalmente pelos fantásticos cenários recriados. Todo o quadro estético, das cenas dentro do imaginarium, torna-se em verdadeiros quadros surrealistas que exploram a iconologia de toda a narrativa em inteligentes construções imagéticas.

Posso apenas concluir reforçando a minha ideia inicial. Terry Gilliam é um realizador único, com o um carácter cinematográfico bastante original e cheio de criatividade. The imaginarium of Dr. Parnassus é prova disso. E é também a prova de que não é necessário aderir à febre do 3D para criar, esteticamente falando, algo belo.

Um filme para ver de mente e imaginação aberta.

( Esta crítica está também publicada em http://www.espalha-factos.com/2010/04/the-imaginarium-of-dr-parnassus-o-delirio-surrealista/ )

Um Sonho Possível: O Sentimentalismo Irreal

2010-04-04T16:14:00.000-07:00

Um Sonho Possível (The Blind Side), escrito e realizado por John Lee Hancock, é um filme completamente sobrevalorizado. As várias nomeações e prémios que obteve na área do cinema, nomeadamente na gala dos Oscars, não justificam, na minha opinião, os 129 minutos passados na sala de cinema. Um filme cheio de clichés emocionais, banalidade narrativa e muito sentimentalismo gratuito e irreal, sem que, contudo, contenha verdadeira intensidade. Um apelo unicamente comercial. Parte de um molde americanizado e mecanizado, com pouca criatividade, fazendo-se depender do desempenho dos protagonistas para causar o impacto desejado nos nossos corações.

É-nos apresentada, inicialmente, a história verídica da adolescência atribulada do jogador de futebol americano Michael Oher, interpretado por Quinton Aaron, e da forma como foi, consequentemente, resgatado da pobreza por Leigh Anne Tuohy, interpretada por Sandra Bullock. Partindo destas premissas, baseadas em factos reais, o argumento vai, obviamente, restringir-se, tendo em conta os limites naturais da história recontada. Por tanto, ao argumentista não lhe são possibilitadas grandes criações narrativas. A história não poderá voar para além do que foi realmente, salvo alguns pormenores que, alterados, poderão torna-se mais comerciais. Mas seria tão complicado assim, explorar uma visão mais pessoal e mais expressiva desta história (que, apesar de tecer algumas linhas de glória e heroísmo contem traços banais com que já estamos habituados e até enjoados)? Tal interpretação cinematográfica poderia fugir ao caminho fácil da banalidade e do sentimentalismo forçado.

Porém, não foi isso que aconteceu. John Lee Hancock limitou-se a colocar “na chapa” cena por cena, tal e qual como está descrito no livro de Michael Lewis. Assim, apenas trabalhou as personagens de forma a que, enquadrando-as nas premissas iniciais, facilmente trouxessem o sentimentalismo ao de cima. Num outro contexto, talvez tivesse funcionado. Num contexto em que a realidade histórica da narrativa pudesse ser tão surpreendente que falasse por si. Ou no caso da construção das personagens ser tão eficaz que nos faria esquecer tudo o resto. Num caso que não é, de certo, o de Um Sonho Possível. A narrativa é construída de forma demasiado irreal, explorando relações que, por sua vez, são elas mesmas irreais (ou por culpa da má construção do argumento e das personagens ou mesmo por culpa do desempenho dos actores). Passamos o filme inteiro a ver como Michael entra na vida de Leigh simplesmente porque sim, ou mesmo só porque Leigh acordou um dia e resolveu sentimentalizar-se. O que quero focar é o desprendimento à razão lógica que esta narrativa tem. Não estou a falar dos factos reais, mas sim da forma tão crua e artificial como os acontecimentos foram escarrapachados no ecrã, sem se pensar em arranjar um núcleo seguro que pudesse dar mais credibilidade ao fluxo narrativo.

Falemos agora do mais falado: os desempenhos dos protagonistas. De Quinton Aaron pouco tenho a dizer. Nem aquece nem arrefece. Encarna Michael de uma forma minimamente convincente, mas sem ultrapassar os limites do razoável. Um desempenho “normal”. O caos surge, sim, do outro lado do protagonismo. Sandra Bullock vai interpretar Leigh de forma tão peculiar que lhe valeu um Oscar pela academia. (Mas que Oscar tão mal dado!) A interpretação de Sandra Bullock, à semelhança de toda a sua carreira, não passa de uma mera tentativa de brilhantismo. De um breve sopro de representação que não aspira nem um pouco à magnificência que é necessária para merecer um Oscar. E além do mais, é clara, tanto na sua interpretação como na construção da personagem de Leigh, a queda para o sentimentalismo gratuito, que se baseia numa sequência de caretas pouco naturais e, por vezes, pouco contextualizadas. Uma serie de caras de séria, umas outras de emocionada e pouco mais. O guião pouco enriquecido também não permite a Bullock atingir algo de respeitável no que toca aos diálogos. Por todas estas razões, o seu desempenho não ultrapassa o banal.

Um Sonho Possível não é um mau filme, apesar de todo o “mal dizer” que tenho aqui transcrito. Contudo sinto a necessidade de demonstrar o quanto sobrevalorizado foi e continua a ser. Se analisarmos bem, com olhos de ver, sem nenhum sentimentalismo ou parcialidade, chegaremos à conclusão que, no fundo, não passa de mais um pré-filme, um fast-food do cinema, que serve apenas para, de forma fácil e barata, chegar aos corações (e às carteiras) dos mais frágeis.

( Esta crítica está também publicada http://www.espalha-factos.com/2010/03/um-sonho-possivel-o-sentimentalismo-irreal/ )

O Livro de Eli: O Mad Max Cristão

2010-03-26T18:10:00.000-07:00

E eis que surge o Apocalipse pelas mãos dos irmãos Albert e Allen Hughes. Um Apocalipse no mínimo peculiar, visto que envolve o já veterano Denzel Washingtonnum papel de lobo solitário género Mad Max. O Livro de Eli (Book of Eli), uma abordagem apocalíptica do futuro que se aproxima, é uma boa amostra de cinema. E isso deve-se, principalmente, pela óptima fotografia que, por sua vez, proporciona uma fantástica atmosfera ao longo de todo o filme, que, não ajudada pelo argumento, se vai desvanecendo aos poucos. A sua qualidade é inequívoca. Só que os erros surgem com facilidade, numa obra que aposta forte num campo, a fotografia neste caso, e se desleixa nos outros.

O Livro de Eli conta-nos a história de Eli (coincidência?), interpretado por Denzel Washington, num período pós-guerra futurístico, onde grande parte da população foi aniquilada e a civilização destruída. Eli guarda com a vida um livro (outra coincidência) bastante enigmático. As suas palavras, diz Eli, são profundas e poderão ser usadas como forma de poder sobre os homens. Consequentemente não há quem não queira apoderar-se do estranho livro, nomeadamente Carnegie, um chefe de guerrilha que controla militarmente a zona local, interpretado por Gary Oldman. Neste momento facilmente descobrimos, e não pelo sinal da cruz impresso na capa do livro, mas sim pelas restantes características, que se trata de um exemplar da Bíblia, que por sua vez é o único no mundo. Interessante. Realmente esta premissa inicial do argumento promete dar frutos bastante deliciosos. Um cenário apocalíptico, um lobo solitário numa missão, um livro único com poderes sobre os homens e a ganância e ambição natural de outros homens. Quereríamos melhor para começar este Mad Max do séc. XXI? Sim. Eu pessoalmente queria. Não falo destas premissas iniciais que deixam água na boca de qualquer pessoa, mas sim de alguma continuidade que deveria ter sido dada às mesmas. Quer dizer, houve continuidade, mas uma continuidade morta. Ma deixemos os abstraccionismos de parte. O que quero focalizar é que apartir deste momento toda a narrativa fílmica vai desvanecer, cair em alguns clichés (não muitos) e torna-se bastante monótona, com cenas de acção fracas e desenvolvimentos narrativos pouco complexos e criativos. E isto durante uma parcela bastante longa do filme. Claro que, devido a alguns factores que já irei explicitar, não caímos no aborrecimento, mas fica o sentimento de pena por ter sido desperdiçada uma base narrativa tão promissora que, mesmo com um final “semi” surpreendente, não conquista o imaginário dos mais exigentes, revelando a notória inexperiência de Gary Whitta, o argumentista.

Mas falemos do nosso amigo Denzel Washington e da sua trabalhada personagem. Digo trabalhada de uma forma um pouco exacerbada, claro. Eli, um verdadeiro homem com H que domina as técnicas de combate corpo a corpo, tem aquele toque de cavaleiro andante misterioso e de poucas palavras. Mas também não passa disso. Apesar de Washington desenvolver os diálogos que tem com Solara, a personagem interpretada por Mila Kunis, com certa naturalidade que cria na personagem muito realismo, o seu desempenho não é espectacular, ficando-se pelo Bom. O resto do elenco segue as pegadas do protagonista. Talvez Gary Oldman se destaque no seu papel de vilão, mas como a sua personagem é muito menos trabalhada, em comparação com Eli, não poderemos fazer um juízo de valor justo.

Por fim, resta-nos o melhor. A jóia deste filme: A fotografia. O Livro de Eli tem uma requintada abordagem fotográfica. A forma como é utilizada a imagem chega, em alguns planos, a tocar o campo do genial. Não só os jogos de cor, onde se apostou nos tons cinza e sépia, jogando com o cenário desértico do filme, mas também nos planos de fundo onde são inteligentemente enquadradas as personagens. Recordo-me de um plano da segunda metade do filme, onde Eli e Solara olham um para o outro num plano afastado, onde cada personagem se coloca em cada extremo do enquadramento, e, juntamente com uma ligeira inclinação de câmara, causa uma simetria perfeitamente bela.

Devo concluir, deste modo, reafirmado a qualidade do filme O Livro de Eli. Contudo, não subam as vossas fasquias. Aliás, foi esperando pouco que visualizei este filme. E só desta forma ele foi capaz de me surpreender.O Livro de Eli é um filme com certo requinte, com muito potencial, mas que morre na praia. Valerá muito pela sua qualidade estética e pouco pelo resto.

( Esta crítica está também publicada emhttp://www.espalha-factos.com/2010/03/o-livro-de-eli-o-mad-max-cristao/ )

Amar... é Complicado!: Trivialidade ao serviço do Entretenimento

2010-03-26T17:56:00.000-07:00

Amar…é complicado! (It's Complicated) surge como uma agradável experiência. Sem muito para acrescentar aos nossos imaginários nem ao historial artístico do cinema, este filme não deixa de ser um bom entretenimento, se esse for o objectivo de quem o vê. Algumas gargalhadas, alguns momentos emotivos e três actuações de nível por parte de três grandes do cinema actual. A banalidade do argumento é presente, mas também não se esperaria o contrário. Ao visualizarmos este filme, devemos nos despejar do nosso sentido artístico e simplesmente nos divertir.

O argumento não poderia ser mais trivial. Jane, interpretada pela maravilhosa Meryl Streep, é uma chef e dona de um restaurante que vive feliz, dez anos depois de se ter divorciado. Jake, o ex-marido encarnado por Alec Baldwin, voltou a casar e a constituir uma “nova” família. Os dados para a nossa trama romântica são lançados desta maneira. Com facilidade, Nancy Meyers, a realizadora e argumentista conhecida pelo seu sucesso com Alguém te que Ceder (Something’s Gotta Give), colocaJane e Jake a reatarem a paixão dos velhos tempos, indo contra a moral do novo casamento de Jake. Talvez seja neste ponto da narração, que é constante durante algum tempo, que vemos o ponto forte do duo Streep/Baldwin. As reacções ao sucedido são tão antagónicas (Jane fica cheia de remorsos, enquanto Jake não quer outra coisa) que se tornam bastante agradáveis aos nossos olhos. Mas se ficasse por aqui, dentro da banalidade, o argumento seria ainda mais banal. Portanto, Meyers introduz Steve Martin para compor a trindade, desempenhando o papel de Sam, um arquitecto sensível que sofre com o divorcio com que teve de passar. De Martin, apesar do fraco desenvolvimento da personagem, não ser culpa dele, esperaríamos muito mais. Além das suas aparições serem escassas e um pouco forçadas, Steve Martin não parece muito seguro de si no papel de Sam, o que se faz notar ao lado de um bastante engraçado e confiante Alec Baldwin (Será curioso ver estes dois senhores na noite dosOscars).

A questão do amor é aqui retratada como uma matéria difícil de ingerir. Como no caso de Alguém te que Ceder, Meyers vai estruturar a narrativa de forma a criticar o amor platónico sem complicações, pela falta de contextualização que este tem. No caso de Jane e Jake, estaria em jogo, não só a nova família de Jake, como os filhos que os dois tinham em comum, que, por sua vez, já tinham passado por muito durante o divórcio. A ansiedade e o desespero que Jane vai sentir durante o filme retrata bem o quanto é complicado quando não se contextualiza o amor e se vive num mar de rosas.

Concluindo, Amar… é complicado! equivale a um bom serão passado no cinema, se e só se não formos em busca de arte cinematográfica e sim de um bom pedaço de entretenimento. Não devemos confundir-nos com os grandes actores que entram neste filme. Mesmo assim, eles são a chave que torna este filme agradável de se ver, caso contrário teríamos mais um filme de domingo à tarde sem consistência e sem emoção. Não se iludam, Amar... é complicado! não tem nada que se lhe diga, apenas três óptimos actores que nos fazem sentir as suas representações, mesmo não estando no seu melhor.

Um filme para ver, gostar e depois esquecer.

( Esta crítica está também publicada em http://www.espalha-factos.com/2010/03/amar-e-complicado-trivialidade-ao-servido-do-entretenimento/ )

Alice no País da Desilusão

2010-03-26T17:52:00.000-07:00

Tudo parecia ir dar certo. Um orçamento bastante volumoso. Técnicas modernas e de último grito. Actores de classe e nível mundial. Um romance lendário, a derradeira fábula do séc. XIX, que evocou e ainda evoca imensas visões. E, acima de tudo, um génio do cinema, Tim Burton, cuja capacidade imaginária é para além de única e magnífica, o que se reflecte no seu estilo cinematográfico. Um estilo que, aliado a histórias e narrações peculiares, como por exemplo o livro As Aventuras de Alice no país das Maravilhas de Lewis Carroll, cria mundos mágicos, de espírito próprio que deslumbram, não só os olhos, mas também a mente. Mas nada disso aconteceu. Antes pelo contrário. Todo o brilhantismo, a arte, o requinte, a magia, a veracidade e autenticação de um estilo próprio, nada disso apareceu no filme Alice no País das Maravilhas (Alice in WonderLand) de Tim Burton. Entrei na sala de cinema esperando tanto, mas o que vi foi tão pouco. A desilusão ficou estampada na minha cara.

Os dois romances de Carroll, As aventuras de Alice no país das Maravilhas e Alice do outro lado do Espelho, contam-nos a história de uma jovem menina,Alice, que, em dois momentos separados, visita um mundo mágico e alternativo, onde existem coelhos apressados, gatos sorridentes e falantes, lebres hiperactivas e um estranho chapeleiro. Um mundo especial, onde Alice irá explorar novas sensações e emoções. Ao longo do tempo, foi-se especulando acerca da verdadeira natureza da história de Alice, variando as interpretações. Uns acreditavam ser a analogia da fase da entrada na puberdade, onde se sofre alterações no corpo, se experimenta novas sensações, novas emoções e se começa a ver o mundo de outra maneira. Outros, acreditavam que a história estava enraizada em inquietações de termos científicos, de carácter matemático, tendo em conta os estranhos e enigmáticos diálogos de Alice com as restantes personagens e visto que Carroll foi também um pensador na área. Isto tudo para mostrar que esta fábula das fábulas é matéria bruta para algo fabuloso. A sua história e a sua envolvência enigmática permitem pensarmos em milhares de interpretações e perspectivas artísticas e cinematográficas. Assim, bastaria uma mente suficientemente criativa, tal como a mente que viaja por um extenso imaginário, como é o caso da de Burton, para concretizar tal esplendor artístico. Mas Burton não parece ter percebido a oportunidade que teve nas mãos.

Tim Burton tomou a liberdade de moldar a historia de Alice ao seu gosto, fundido ideias dos dois romances e acrescentando alguns pormenores. Mas, ao contrário do que muitos esperavam, não introduziu nenhum elemento surpreendente, nenhuma alma mística ou obscura. Todo o filme, se ignoramos a questão estética, é ainda mais inocente do que o filme de animação de 1951 (O que não seria mau se fosse esse o objectivo). Tudo é muito cru, sem entrelinhas. É tudo transparente e floreado. Tudo muito bonitinho para meu gosto. Parece que Burton esqueceu-se de como criar um mundo verdadeiramente mágico e misterioso. Não existe envolvência. Não existe misticismo, nem emoção. Tudo parece uma verdadeira fachada, estampada na cara da audiência como se de fast-food se tratasse. A pergunta é: Onde está o estilo gótico e sombrio que tanto te deu fama, Tim? Ficou em casa? Onde está o espírito mágico de fabulista que dês-te a filmes como O Estranho Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas) ou Eduardo Mãos de Tesoura (Edward Scissorhands)? Já não há mais disso?

Toda a história do filme vai surgindo como um puzzle desfragmentado, onde os pedaços se ligam por finas linhas, as personagens. As cenas vão rolando a um ritmo rápido e constante, mas que nos faz ficar sempre na expectativa que algo aconteça. Mas nada acontece. E assim ficamos, à espera de algo mesmo intenso, algo surpreendente. À espera, à espera, à espera. E chegamos ao final e ainda não vimos nada. Ao menos que culmine com um final grandioso, já que tivemos de aguentar esta sucessão de cenas que, na minha opinião, chegam a ser enfadonhas. Mas nada disso, Burton preferiu jogar pelo seguro e não utilizar a imaginação. Finaliza toda a sua fragmentada narrativa num cenário final, género Senhor dos Anéis, pobre, seco e sem alma. Uma “batalhazita”, sem intensidade ou emoção, resume todos aqueles minutos em que vemosAlice, toda feliz da vida, a andar de um lado para o outro sem uma necessidade concreta, mas simplesmente porque sim. A narrativa separou-se por completo do mundo estético que foi criado através das tecnologias de imagens. E sem essa envolvência, que resulta da enfraquecida narrativa, não há magia.

Claro que há pontos positivos. Mas certamente não devido a Tim Burton. Johnny Depp e Helena Bonham Carter não compactuam com Burton na sua tentativa (conseguida) de desiludir os fãs e presenteiam-nos com grandes interpretações. Devo até afirmar que Helena chega a estar perfeita no seu papel de má da fita, egocêntrica e malvada. Depp também desempenha com honra e dignidade a imagem de um louco chapeleiro que guarda no seu peito um coração bondoso e humano. Em suma, todo o elenco está respeitável, mas se assim não fosse, para além de uma desilusão, teríamos uma catástrofe cinematográfica.

A técnica utilizada é outro dos pontos a louvar, não só no que toca imagem, que como já tínhamos reparado nos trailers, reconstrói um mundo com uma tonalidade de cores bastante interessante, mas também no que toca ao som, que acompanha bastante bem a acção. Já no caso da técnica de 3D, voltamos para o campo da desilusão. Apesar de termos três ou quatro cenas que nos fazem entrar para dentro da tela, passamos o resto do filme a perguntar “porque raio é que temos uns óculos foleiros postos?”. Realmente não houve grande necessidade para o 3D. Só mesmo a necessidade de comercializar ainda mais o filme.

Uma coisa é certa, a Disney terá mais um sucesso de bilheteira. Mas e a cultura cinematográfica? Terá ela algum novo sucesso? Não me parece. Devo finalizar a exposição da minha desilusão, esclarecendo que sou um grande fã do trabalho de Tim Burton e que esperava uma verdadeira obra de arte de Alice no País das Maravilhas. Mas, como expus anteriormente, a minha desilusão foi quase total. O filme não deixa de ser razoável e consumível. Porém, para aqueles que, como eu, amam o trabalho do Sr. Burton, irão ter uma grande desilusão. Boa Sorte com isso.

( Esta crítica está também publicada em http://www.espalha-factos.com/2010/03/alice-no-pais-da-desilusao/ )

The Hurt Locker: O Realismo Artístico

2010-02-15T14:08:00.000-08:00

The Hurt Locker é uma verdadeira obra artisticamente cinematográfica. Aposta num realismo bastante concreto de teor quase documental, que, aliado a uma magnífica realização, torna-se bastante orgânico e natural. Decidi adjectivar este filme como algo artisticamente cinematográfico por uma simples razão. A sua essência não se agarra a floreados estéticos, mas sim na qualidade narrativa e, o que considero sublime, na forma de captação e consequente exposição de imagem. O seu realismo, por sua vez, não se prende à velha guarda classicista americana, visto que Kathryn Bigelow, a realizadora, utiliza os planos e a consequente montagem de forma a conciliar o realismo da narrativa com o teor artístico e com a peculiaridade da sua visão.

The Hurt Locker, filmado na Jordânia em 2008, mostra-nos o dia-a-dia de uma divisão anti-bomba do exército americano, numa missão no Iraque. Acompanhamos três elementos da divisão, o sargento William James, interpretado por Jeremy Renner, o Sargento Sanborn, interpretado por Anthony Mackie, e o soldado Owen Eldridge, interpretado por Brian Geraghty, em várias missões de desmantelamento de bombas, bem como no seu quotidiano. Além do mais, observamos como, naquele ambiente de guerra, os três elementos vão tecendo as suas as relações sociais ao longo do tempo, entre eles e os iraquianos da zona.

A originalidade deste argumento surge com a exploração, não só de um tipo de divisão do exército não muito usual, onde a pressão e ansiedade são constantes, mas também na exploração da interacção dos soldados com o meio onde se inserem. Seguimos os três militares nos seus momentos quotidianos, nas suas missões, em momentos privados, na partilha das suas inquietações acerca da guerra. Basicamente, é-nos exposto um retrato bastante videdigno da experiência destes homens. A própria relação entre eles é pintada de uma forma bastante real. Apesar da forte confiança que este tipo de missão obriga a ter entre os elementos da divisão, a relação entre os três militares é instável, variando, principalmente, por causa da irreverência de William James. Por sua vez, James, a quem é reservado mais tempo de antena nesta película, vai criar uma certa tensão com Sanborn, devido às diferenças de pensamento, no que toca ao modo como cada um encara as suas missões.

Este filme, apesar de conter este alto teor de realismo, a que tanta apologia tenho feito, é único no que toca ao seu enquadramento, à sua montagem e a sua imagem. Isto tudo concede ao espectador uma visão única desta realidade. Neste momento, devo revelar o que considero ser a chave para tal sucesso na conciliação destas duas categorias supostamente antagônicas. Estado de Guerra utiliza o som de uma maneira bastante realista. Uma banda sonora mínima, apostando em sons reais de situações reais, excluído quase por completo a música. Assim, a utilização de planos menos convencionais, no que toca ao realismo tradicional, não torna o filme pouco realista, antes pelo contrário. A conjunção da edição de som com a forte narrativa retratada nos planos cria uma estranha, mas bastante agradável, forma de realismo.

Deste modo, Bigelow consegue introduzir, de forma implícita e por vezes explícita, questões humanas relativas à guerra, já muito frequentes no cinema e afins, com um teor de credibilidade muito alto. A tensão, a ansiedade, a revolta e a perturbação causadas pela guerra são apresentadas no ecrã de forma orgânica e não puramente formal e artificial.

The Hurt Locker é um filme que, não sendo sublime, acrescenta muito ao cinema, numa área onde, supostamente, havia pouco a acrescentar. Um elenco respeitável, com a participação “simbólica” de Ralph Fiennes e Guy Pearce, um argumento ainda mais respeitável e uma realização autêntica, artística e um tanto ousada. Enfim, uma realização genial. Um filme digno desse nome, que aposta numa visão artística e não apenas estética, para que, desse modo, possa atingir o público, emocionalmente e intelectualmente.

The Men Who Stare At Goats: Um Olhar Diferente

2010-02-09T09:18:00.000-08:00

Homens Que Matam Cabras só com o Olhar (The Men who Stare At Goats) é um filme com um certo nível de complexidade. Com um elenco de classe, um argumento complexo e um objectivo de topo: Honrar a obra de Jon Ronson. À partida, a missão, tanto de Grant Heslov, o realizador, como de Peter Staughan, o argumentista, seria minimamente árdua. Readaptar com qualidade o best-seller de Jon Ronsoné, compreensível para quem leu o livro, uma tarefa complicada. Digamos que Heslov não se saiu mal. Porém, escapou-lhe algo nesta missão. Algo que falta no filme que o impossibilita de honrar com dignidade a obra literária. Falta-lhe a verdadeira essência da obra. Mas vamos por partes.

Em Homens que matam Cabras só com o Olhar, acompanhamos a personagem Bob Wilton, interpretada por Ewan McGregor, e o seu trabalho jornalístico acerca de uma estranha divisão do exército americano, intitulada de First Earth Battalion. Esta divisão experimental baseava o seu trabalho na investigação dos poderes paranormais do Homem. Isso mesmo, uma divisão do exército que treinava os seus homens para serem videntes. Regida pelos pensamentos e ensinamentos do movimento New Age, que se centra no potencial humano e nas forças universais que existem dentro do Homem, esta divisão tinha como função treinar Jedis, videntes especializados, para combaterem, ou melhor, para preverem situações de guerra e, deste modo, contrariar o fluxo da guerra em prol da paz universal. Durante a sua investigação,Wilton vai dar de caras com Lyn Cassady, interpretado por George Clooney que, diga-se de passagem, consegue transmitir à sua actuação um realismo muito afincado. Cassady irá narrar-lhe a origem desta divisão e de que forma o exército a utilizou. Isto tudo, enquanto viajam pelo Iraque, em pleno ambiente de guerra.

Posto isto, devemos compreender uma coisa. O livro de Jon Ronson foi baseado numa investigação verídica. Mas, parecendo que não, este facto realça o tom hilariante do argumento. À primeira vista, toda esta intriga surge, aos nossos olhos, como uma sátira ao exército americano e às suas tentativas experimentais de dominar as tecnologias de guerra. Contudo, a verdadeira existência de uma tal investigação paranormal, por parte do exército, não desmorona o objectivo grandioso desta obra. A forma como esta encara sarcasticamente a ideia de uma divisão do exército cheia de videntes vai de encontro ao objectivo: Fragilizar a imagem do exército americano.

A sua adaptação cinematográfica não lhe fica atrás, muito graças ás fantásticas interpretações deMcGregor, Clooney e Jeff Bridges, cheias de realismo e originalidade. A autenticidade com que as personagens acreditam naquela realidade torna-se, só por si, uma verdadeira comédia satirizada. Mas, ao contrário da obra literária, o filme Homens Que Matam Cabras só com o Olhar peca por falta de dinâmica e fluidez na orgânica da narração. Por outras palavras, apesar da estrutura da narração não ter erros ou lapsos, não consegue hierarquizar as cenas pelo nível de importância estrutural, tornando-se um tanto linear, no que toca à intensidade. Desta forma, o sarcásmo, que poderia ser evidenciado, não é seguro, sendo, em algumas cenas, pouco visível.

Homens Que Matam Cabras só com o Olhar tem um ponto altíssimo no que toca à qualidade. O seu elenco, além de ser de luxo, funciona de forma bastante orgânica e realista. Aliás, o grande trunfo deste filme, que deveria ser o argumento, é o elenco, que consegue salvar uma razoável realização, que não passa disso mesmo, e uma readaptação com pouca criatividade cinematográfica. Apesar de tudo, trata-se de um filme bastante recomendável que, àqueles que não leram o livro, fará crescer a curiosidade de o fazer.

( Esta crítica está também publicada em http://www.espalha-factos.com/2010/02/critica-homens-que-matam-cabras-so-com-o-olhar/ )

Whatever Works: Uma fábula Urbana

2010-01-28T16:36:00.000-08:00

Whatever Works foi, para mim, uma lufada de ar fresco. Humor requintado, actuações soberbas e um estilo único que transforma qualquer simples história num marco cinematográfico. Tudo o que se espera de um filme de Woody Allen. Mas existe algo de particular nessa sua nova obra. Algo que Woody não tinha vindo a conseguir nos últimos trabalhos, talvez com excepção de Vicky Cristina Barcelona. Algo que o distingue dos outros cineastas. Whatever Works está repleto de um esplêndido teor de humor negro que, apostando na complexidade dos diálogos, faz rir o espectador de uma ponta a outra do filme.

Nesta nova película, Woody Allen recriou a sua personagem-padrão favorita, o cómico e excêntrico hipocondríaco. Todavia, e pela primeira vez, não foi o próprio que usufruiu da sua encarnação, sendo esse prazer concebido a Larry David. Larry David, nome sonante na área da televisão, tanto na escrita como na actuação, basta relembrar o clássico Seinfeld, onde foi dois primeiros argumentistas, e a série Curb your Enthusiasm, pela qual foi nomeado para o Globo de Ouro e para o Emmy múltiplas vezes, assume o papel de Boris, um génio de física quântica frustrado pelas incompatibilidades que tem com a vida. Esse seu fracasso social reflectiu-se no seu divórcio e na sua primeira tentativa de suicídio. Boris tem perspectivas muito afincadas sobre o sentido da vida. Para ele não existe nenhum. Tudo o que sonhamos, tudo o que projectamos e tudo o que fazemos é um conjunto de meros passos amorfos que caminham para um só caminho final: a morte. Assim, menospreza todos aqueles que ambicionam a grandeza, amores-perfeitos e finais felizes. E para isso não poupa na violência das palavras. Para ele, todos esses sonhadores não passam de vermes incultos. Mas a sua mesquinhice não fica por aqui. Boris é um hipocondríaco de alto gabarito que, para além de acreditar que sofre de todas as doenças, enerva-se com facilidade com mínimos pormenores. À noite, acorda com crises de ansiedade, inconsolado e incrédulo com a efemeridade da vida. Em Boris podemos rever todos aqueles traços que Allen adora colocar nas personagens que usualmente encarna. Boris é o cliché da indignação. É o grande chavão do snobismo. É a cara da ânsia e da frustração. Boris é o culminar do aperfeiçoamento de uma personagem, de uma personalidade, que Allen tem vindo a construir desde a idade primitiva da sua obra.

É assim, com esta personagem marcante, que Woody Allen nos vai jogar na cara um balde cheio de humor inteligente. Os temas e as questões da religião, da aculturação, da discriminação, são todos pontos legítimos neste grande plano humorístico de primeira classe. Contudo, não satisfeito, Allen cruza Boris com o seu oposto intelectual, como quem choca um átomo com um outro causando uma explosão nuclear. Melady, é uma ingénua jovem sulista, que fugiu da casa dos pais no Missisipi e refugiou-se em Nova York. Ao encontrar Boris, acidentalmente, vai-lhe pedir auxílio para conseguir sobreviver na cidade que nunca dorme. Melady é uma rapariga sonhadora que acredita no amor. As suas ideias não são muitas e a sua fé em Deus e nos costumes da família são grandes. É, para Boris, tudo o que odeia num ser humano. Mas é esse mesmo factor de oposição que faz crescer o interesse de Boris pela rapariga e gerar uma peculiar relação entre os dois. Posteriormente, para apimentar as coisas, os pais de Melady chegam à grande cidade em busca da filha, mas acabam por embarcar num verdadeiro barco do amor e da libertação.

O enredo de Whatever Works não é muito complexo. Aliás, dentro do paradigma Alleniano, podemos dizer que até um pouco banal. Mas quem precisa de floreados narrativos quando se tem personagens tão características, diálogos extravagantemente inteligentes e um humor negro que só os mestres são capazes de produzir? Whatever Works é uma representação única da visão de Allen acerca do amor, dos sonhos e da própria vida. É mais que uma história. É mais que uma narração. É uma maneira de contar algo. E como diria Chico Buarque, por vezes a forma como contamos uma história sobrepõem-se à história em si. A estrutura desta obra cinematográfica, mais do que contar-nos uma história, transmite-nos uma ideia, uma visão.

Perante este filme, encontramos uma parábola, uma fábula urbana que nos descreve o amor, não como algo premeditado, mas como um acaso, fruto da sorte dos acontecimentos. Basicamente um apelo ao aproveitamento da vida e do dia, visto que tudo pode dar certo e nada está destinado a acontecer.

(Esta crítica está publicada em www.espalha-factos.com com o nome de "Tudo pode dar certo: uma parábola urbana")

Francisco Noras

O "Carpe diem" em Up in the air

2010-01-21T17:25:00.000-08:00

Estreou hoje, dia 21 de Janeiro de 2010, o filme Up in the air produzido pela Paramount Studios e realizado por Jason Reitman. Depois de ter ganho sucesso com o filme Juno em 2007, valendo-lhe uma nomeação para melhor argumento, Reitman apresenta-nos uma produção mais abastada a nível financeiro, mas que não se desvia do género cinematográfico usual na sua ainda jovem carreira: a comédia dramática. Up in the air, nomeado para 6 globos de ouro americanos e vencedor de um outro para melhor argumento, no presente ano, constrói a sua narrativa à volta da personagem Ryan Bingham (interpretado por George Clooney) e da sua forma peculiar de ganhar a vida. Bingham trabalha numa agência que se especializa em despedir funcionários de outras empresas de forma a reformular as necessidades dessas mesmas. Para isso, Bingham viaja de avião por todos os estados dos E.U.A., de empresa em empresa, despendido pessoas a torto e a direito. Contudo, a peculiaridade da personagem interpetada por Clooney, não é o seu estranho emprego, mas sim a sua afinidade pelas suas viagens de trabalho. Este seu à vontade com as viagens aéreas faz com que ele só se sinta em casa quando está a voar, desvinculando-se da vida “normal” e das relações sociais que poderia ter na sua cidade natal. Aliás, é o próprio que desenvolve uma filosofia de vida baseada nesse imaterialismo físico e social, tentando encarar a vida sem preocupações ou responsabilidades. De uma forma destanciada e despreocupada.

Em Up in the air deparamo-nos com uma hístória sobre a qualidade individual do ser humano, e da sua funcionalidade na sociedade. Através do distanciamento dos compromissos sociais, evidenciado na personagem de Clooney, o filme estrutura-se com o objectivo de explorar a questão do sentido social do ser humano e da sua necessidade em relacionar-se com outros indivíduos e de se comprometer e criar laços a um nível para além do “casual”. A filosofia do distanciamento de Bingham, que até revela um certo egoísmo por parte de que a pratica, vai ser posta em causa quando este se depara com Alex Goran (interpretada por Vera Farmiga) num encontro amoroso casual, sem compromissos, que, posteriormente e quase acidentalmente, traz a Bingham a vontade de se ligar à vida de uma forma mais comprometedora. O sentido da vida, a funcionalidade de cada indíviduo no mundo surge como problemática na temática do distanciamento/compromisso com a vida.

Apesar da forte complexidade e desenvolvimento da personagem de Bingham e da excelente prestação de Clooney, que nos revela um lado mais suave e mais susceptível a questões dramáticas e emocionais que, até então não estávamos habituados, o enredo não é forte o suficiente para conseguir transmitir com peculiar firmeza a mensagem implícita no argumento. O suporte onde se sustenta o filme Up in the air, apesar da sua estranha originalidade, não deixa de ser, paradoxalmente, pouco substâncial, opaco e exacerbadamente suave, tendo em conta o projecto ambicioso de algumas linhas do argumento. A questão da vivência humana sem relações muito comprometedoras, seguindo o tão citado “carpe diem”, tenta surgir como temática de todo o filme, sendo mesmo o seu final a tirada de conclusões de toda a experiência da filosofia de vida de Bingham. Contudo, a ligeireza de como a situação de Bingham nos é apresentada, num género de filme famíliar ou de comédia romântica suave, tira-lhe toda a seriedade e a intensidade que podia ter ao retratar um temática deste tipo de peculariedade emotiva e social.

Podemos concluir que, seguindo a sua catalogalização de comédia dramática, Up in the air honra o género, apostando na centralidade da personagem principal e na sua riqueza de traços personalizados. Os momentos de comédia variam deste o tradicional humor físico até algumas referências a um certo humor negro. Todavia, a forma pouco substancial como se estruturou o enredo e o próprio argumento, faz com que Up in the air tenha certas dificuldades em se constituir como um clássico desta década e em pernoitar na memória colectiva do público.

Francisco Noras

Os 10 melhores filmes da década de 2000-2009

2010-01-06T17:13:00.000-08:00

Mais um ano se passou. A passagem de ano fica marcada por mais um série de promessas e expectativas em relação ao que está para vir. Neste último ano, o mundo cinematográfico vivenciou tanto momentos bons, como momentos maus, mas foi, sem espaço para dúvidas, um ano recheado de surpresas inovadoras. Certamente, o ano de 2010 irá-nos reservar novas experiências, que, provavelmente, corresponderão às expectativas traçadas pelo público no ano de 2009. Uma coisa é certa, o fluxo de inovações tecnológicas aplicadas ao cinema não parará de crescer. Basta pensarmos em filmes como a trilogia "The Lord of The Rings", "A Scanner Darkly" e "Avatar", para compreendermos que algo de novo está a acontecer no cinema. Os últimos anos de Hollywood, e das outras indústrias cinematográficas, mostraram-nos que o cinema se está a metamorfosear, para melhor ou pior (fica ao critério de cada um). Com as novas técnicas de animação, efeitos especiais, efeitos 3d, entre outras, esta transformação torna-se ainda mais a cara deste novo século.

Com o ano de 2010, surge também uma nova década, que poderá ser decisiva no que toca à afirmação desta nova forma de fazer cinema. Contudo, antes de especularmos em relação ao futuro, é sempre saudável ponderar em relação ao passado. Deste modo, propus a mim mesmo escolher os filmes mais marcantes desta última década. Apesar da ponderação ter sido bastante dificultada pela imensa qualidade cinematográfica que foi produzida nestes últimos dez anos, cheguei a um veredicto final.

Eis os dez melhores filmes da década de 2000-2009, segundo o meu ponto de vista.

10º - Mulholland Dr. (2001)

Realizado por David Lynch, "Mulholland Dr." é caracterizado pelo seu argumento fragmentado e pelo seu teor surrealista e enigmático que tanto caracterizam toda obra de Lynch. É, provavelmente, o filme mais aclamado do realizador e aquele que mais o identifica. Garante um lugar neste top devido à sua ousadia, à sua complexidade e ao seu estilo, único no panorama do cinema actual.

9º - Sen to Chihiro No Kamikakushi (2001)

"Sen To Chihiro No Kamikakushi", também conhecido por "Viagem de Chihiro", é um marco no género de animação. Criado pelo mestre do Anime Japonês, Hayao Miyazaki, este filme, vencedor do Oscar de melhor animação em 2003, retrata, ao jeito mágico de Miyazaki, um mundo misterioso cheio de aventuras e experiências transcendentes.

8º - Hable Con Ella (2002)

"Hable Con Ella", vencedor de um oscar em 2002, é um retrato emocional das relações humanas e da forma como o homem encara a mulher como parte do seu mundo. Pedro Almodóvar, realizador de "Hable Con Ella", conta-nos, neste filme, a história de um homem que se explora a si próprio e a relação que tem com o mundo, conversando com uma mulher que se encontra em coma há vários anos.

7º - Requiem for a Dream (2000)

Um filme frio e cru, que relata uma realidade fria e crua. "Requiem for a Dream" é uma viagem bruta e emocional no mundo das drogas, relatando, sem preconceito, o vício e a degradação humana encontrados na toxicodependência. Realizado por Darren Aronofsky, este filme conta com uma estrondosa interpretação de Ellen Burstyn, que dá vida a Sara Goldfarb, a prova viva de que a desgraça pode tocar a todos.

6º - The Lord of The Rings: The Return of The King (2003)

A trilogia "The Lord of The Rings" não só arrematou com as bilheterias, como também com a crítica. O início da década foi presenciado com o que poderá ser um dos maiores épicos de sempre, fazendo frente aos clássicos. "The Lord of The Rings: The Return of The King", realizado por Peter Jackson e vencedor de 11 Oscars em 2004, representa o culminar de uma trilogia que "ataca" fortemente o género fantástico, recheando o nosso imaginário de imagens saborosíssimas.

5 º - El Laberynto del Fauno (2006)

Em "El Laberynto del Fauno", a fantasia funde-se com a realidade para nos contar a história de uma menina que vive o drama da guerra civil espanhola. O retrato desta cruel realidade envolve-se tão naturalmente com a magia do mundo encantado criado pela personagem central, que semeia um duo de encanto e amargura nos nossos corações. Realizado por Guilherme Del Touro, "El Laberynto del Fauno" arrecadou 3 Oscars em 2007.

4º - Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2001)

"Le fabuleux destin d'Amélie Poulain" faz jus ao seu nome. A Amélie Poulain, é reservando um destino fabuloso, mas o que o torna fabuloso é a forma como é narrado. A delicadeza de cada acontecimento e o encanto e a peculiaridade com que Amélie o vive e o relata, torna este filme um marco do cinema mundial. Realizado por Jean-Pierre Jeunet, conta com uma excelente interpetação de Audrey Tautou.

3º - The Dark Knight (2008)

O último lugar do pódio está reservado ao filme realizado por Christopher Nolan e vencedor de 2 Oscars em 2009. "The Dark Knight" surgiu como uma bomba nos cinemas, revolucionando a forma de se encarar a saga de Batman. Cada segundo do filme faz delícias aos olhos, valendo cada Dollar gasto. A histórica interpretação de Heath Ledger valeu-lhe um Oscar e um lugar no topo dos melhores actores desta década.

2 º - "Memento" (2000)

"Memento" não corresponde às regras normais da construção cinematográfica. A sua narração surge como a memória do protagonista: Fragmentada. O terceiro filme de Christopher Nolan retrata o poder da memória humana na vida de um homem e, analogamente, do Homem. Um filme de extrema classe, que joga com as sequências das cenas de forma tão natural que alicia por completo a nossa atenção. É, sem dúvida, uma obra prima do cinema moderno.

1º - "Cidade de Deus" (2002)

"Cidade de Deus" é, simplesmente, uma película digna deste lugar. A sua qualidade artística, tanto a nível de imagem e fotografia, como a nível de realização e de enredo, torna a sua visualização um dos maiores prazeres que conheço. O retrato da favela "cidade de deus" feito num equilíbrio prefeito entre realidade e ficção, captando a violência e o extremo da condição humana encontrados neste tipo de favelas, coloca o cinema como uma forma de arte única, responsável por fomentar no Homem toda a emoção e toda a transcendência da mente humana. A sua realização vai de encontro à naturalidade da visão humana, tornando a câmara e a projeção das imagens algo natural. Sentimo-nos como que presentes na narração. Esta característica dá a Fernando Meirelles, realizador de "Cidade de Deus", um estatuto de génio do cinema, que lhe assenta que nem uma luva.

Francisco Noras

Inception: Novo filme de Nolan promete marcar

2009-12-30T17:09:00.000-08:00

O final do ano de 2009 reservou-nos uma pena surpresa bastante comprometedora. No passado dia 28 de dezembro, saiu, no site da apple, o trailer do novo filme de Christopher Nolan, "Inception". O filme conta com a participação de estrelas como Marion Cotillard, vencedora do Oscar de melhor actriz pelo filme "La môme", de 2007, Ken Watanabe, o mestre Michael Canne e, como protagonista, Leonardo Di Caprio.

Depois do estrondoso sucesso que teve com "The Dark Night", no ano de 2008, Christopher Nolan aposta em mais uma super produção que, segundo o calgarysun, conta com um orçamento que ronda os 200 milhões de dólares (mais 25 milhões que "The Dark Night"). Novamente, a Warner Bros. apostou em Christhoper Nolan, cedendo-lhe total liberdade na produção, compartilhada com Emma Thomas, na realização e no argumento.

Pelo visionamento do trailer, podemos compreender que Nolan não se quer deixar ficar atrás dos seus colegas de hollywood, no que toca a efeitos especiais digitais, tentando aplicar tais técnicas a uma narrativa cinematográfica centrada na questão do poder das idéias e de como estas podem alterar e construir o mundo. Nolan procurar criar um thriller dramático que, pelas imagens já divulgadas, alia acção ao seu suspense já característico, causando alguma da emoção e do entusiasmo encontrados nos seus mais recentes filmes. Com um elenco recheado de actores de topo (é de focar as últimas actuações de Dicaprio, desde "Blood Dimond" a "Revolucionary Road") e com uma equipa conceituada, como é o caso de Chris Corbould, o chefe da equipa de efeitos especiais conhecido pelo seu trabalho nos últimos filmes da saga de 007 e no próprio "The Dark Knight", só podemos esperar o melhor.

Pena é que a espera tem que durar sete meses, visto que o filme apenas estreia dia 16 de julho de 2010. Sem dúvida, será um dos mais esperados blockbusters de verão do próximo ano. Para já, reconhecemos o seu imenso potencial.

Ficamos, atenciosamente, à espera, mas por enquanto deslumbremo-nos com o Trailer.

Francisco Noras

Do YouTube a Hollywood

2009-12-29T18:05:00.000-08:00

À pouco mais de uma semana, fui de encontro a uma notícia que me deixou surpreendentemente feliz. Um publicitário uruguaio, Fepe Alvarez, foi contratado por um estúdio de hollywood graças a uma curta-metragem que produziu e publicou no YouTube, com um orçamento de apenas 200 euros. Agora, irá produzir, junto com Sam Raimi, o criador do clássico do género fantástico "The Evil Dead", de 1981, um filme com um orçamento de 27 milhões de euros e irá ser o próprio a tomar as rédeas da realização e a escrever o argumento.

A curta-metragem, intitulada "Ataque de Pânico!", dura apenas 4 minutos e 49 segundos e é um relato ficcional de uma invasão de “Robots Gigantes” da cidade de Montevidéu, capital do Uruguai. A película conta com uma montagem bastante profissional e com uma imagem bastante interessante, principalmente pelo uso de tons sépia. Os efeitos especiais, apesar de singelos (se comparados com as super produções de hollywood), são bem colocados nos jogos de câmara e nos planos de campo da cidade uruguaia. Todos os planos, na maioria curtos, enquadram a cidade em diferentes ângulos, criando uma certa naturalidade à sequência. Além do mais, o trecho musical encaixa perfeitamente no ambiente de pânico que a curta tenta projectar.

Seria algo relativamente usual encontrar esta película num meio cinematográfico mais profissional, mas é de louvar toda a qualidade técnica que Alvarez atingiu com um orçamento tão pequeno. A sua capacidade é sem dúvida digna de elogios. Contudo, o que me deixou realmente satisfeito foi a facilidade com que Alvarez de imediato recebeu propostas de vários estúdios de hollywood. O próprio concordou que "se um realizador desconhecido de um país qualquer consegue atingir isto só por colocar um vídeo no YouTube, é óbvio que qualquer um o pode fazer". Tal facto mostra que até a indústria cinematográfica de "alta competição", como é o caso de Hollywood, está a abrir a sua esfera para campos mais desconhecidos e menos profissionais, como é o caso dos realizadores do YouTube. É, de facto, uma óptima notícia, para o mundo do cinema, saber que as grandes indústrias começam a apostar na qualidade, não olhando a nomes nem a estatutos pré-definidos. ~

Deixo-vos, então, com "Ataque de pánico!", de Fepe Alvarez, para tirarem as vossas próprias conclusões.

FONTE: http://dn.sapo.pt/inicio/artes/interior.aspx?content_id=1451461&seccao=Cinema

Francisco Noras

Avatar: Inovador, o quanto baste

2009-12-20T14:01:00.000-08:00

Acabo de assistir à nova película de James Cameron, "Avatar". À partida, iria preparado para mais uma lufada de efeitos especiais e técnicas 3d inovadoras, como tinha prometido o realizador James Cameron, mas o que tive oportunidade de experienciar voou para além do que poderia prever. A reunião de fabulosos técnicos de efeitos especiais (entre os quais a Gentle Giant Studios e a Industrial Light & Magic) resultou num nível técnico sublime, não só no que toca à imagem como também no que diz respeito ao som. Cameron soube aproveitar essa técnica em prole da estrutura narrativa e do próprio cenário da acção, um mundo cheio de novas espécies animais, de plantas e uma peculiar tribo de nativos humanóides. Baseando-se nos clássicos da ficção científica, Cameron construiu um poderoso universo visual, sem que contudo tenha deixado de ser original. O planeta de pandora, de características semelhantes às da Terra, fazendo-nos lembrar a lua de Endor do clássico Star Wars: The Return of the Jedi, é explorado ao nível da flora e da fauna de tal forma que o espectador envolve-se, com extrema facilidade, neste novo mundo e se deslumbra a cada instante. As semelhanças com o planeta Terra não impedem, por sua vez, de realçar a originalidade da criação de pandora, que, sem margens para dúvidas, é a jóia do filme.

Tudo o resto fica em suspenso. Um enredo fraco, cheio de buracos e clichês, num estilo de Pocahontas futurista, onde as personagens são pouco profundas e os laços que as unem pouco desenvolvidos. Primeiramente, são-nos apresentadas duas realidades, uma que remete para a ocupação do planeta pandora, pela espécie humana, e outra que se refere à resistência da tribo humanóide na'vi. A personagem central, um ex-fuzileiro dos EUA, surge como elo de ligação entre estas duas realidades. Este vai se introduzir na comunidade nativa e se comportar como um estrangeiro que, aos poucos, se vai integrando no grupo. Mas o que poderia ser uma situação de um grande potencial artístico, torna-se num clichê amoroso entre o ex-fuzileiro e uma das nativas. Onde poderíamos encontrar personagens peculiarmente interessantes, relacionadas com a questão do (re)conhecimento de uma nova cultura, encontramos uma série de sequências centralizadas numa única relação, que por sua vez deixa muito a desejar. Na segunda realidade, encontramos um grupo industrial que, com o auxílio de militares mercenários, explora os recursos do planeta. Aqui, são-nos apresentadas personagens simplistas que nos tentam transmitir uma imagem de crueldade e indiferença, com o intuito de as ligar à imagem da Humanidade pós-industrial e capitalista. Tal acaba por falhar pela falta de desenvolvimento das personagens e pelo uso de graves clichês. Com alguma facilidade, conseguiríamos aceitar a estrutura base desta narrativa, que se baseia no confronto entre uma espécie conquistadora, desconhecida, e entre uma outra residente que não ambiciona nada para além da paz. Contudo, este enredo não acrescenta nada ao mundo cinematográfico, ficando-se por uma história padrão, com personagens simplistas e com pouco conteúdo.

Posso concluir que o filme ganha imenso potencial pela óptima utilização dos efeitos especiais, mas, talvez por uma certa preguiça, cai no mesmo erro de muitos dos blockbusters do seu nível, a banalidade. Contudo, é, sem dúvida alguma, um épico que honra o género e que traz para o cinema uma forma de criação inovadora e muito respeitável, mas que deixa algo a desejar.

Francisco Noras